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Benoît BUQUET

Maître de conférences en histoire de l’art contemporain, université de Tours.

Champs de recherches 

Histoire, théorie et critique de l’art, du design graphique, de l’exposition et de la culture visuelle au XXe siècle et au XXIe siècle.

Recherches actuelles :

Arts japonais au XXe siècle (réceptions, interactions, transferts, hybridations). Recherches en cours sur les artistes Okamoto Tarô, Motonaga Sadamasa, Takamatsu Jirô et Enokura Kôji.

– Exposition universelle de 1970 (Expo’70).

– Transmutation de la notion de queer au tournant des décennies 1980 et 1990 aux États-Unis et en Europe (cultures visuelles et matérielles : art, activisme, graphisme, reprographie, zines, PAO).

– Historiographie critique en lien avec des questions relatives aux émotions, aux sentiments et aux affects.

– Ce que fait Internet aux images et aux objets.

– « Biennalisation » de l’art dans le monde asiatique.

Spécialités liées au doctorat :            

– Graphisme, expressions scripto-visuelles et culture de l’imprimé dans l’art des années 1950 à 1980 ; avec une attention particulière portée aux néo-avant-gardes (lettrisme et ses dissidences, décollagisme, affichisme, nouveau réalisme, Fluxus, Pop Art) et aux pratiques féministes.

– Croisements entre art et design graphique au second XXe siècle ; avec une attention particulière portée aux interactions culturelles et aux transferts artistiques entre la France, la Pologne, l’Italie et les États-Unis.

À venir

Dernier livre paru

Publications

Ouvrages

2021 : Art & Graphic Design: George Maciunas, Ed Ruscha, Sheila Levrant de Bretteville, New Haven/Londres, Yale University Press, trad. ang. de Jane Marie Todd, 2021, 222 p.

Traduction en anglais du livre français ci-dessous (modifications textuelles mineures, conclusion remaniée et adjonction de dix images supplémentaires).

2019 : Graphics. Art & design graphique aux États-Unis (1960-1980). George Maciunas, Ed Ruscha, Sheila Levrant de Bretteville, Tours, Presses Universitaires François-Rabelais, coll. « Iconotextes », 2019, 256 p. 

Ce livre est conçu comme une traversée de l’art des années 1960 et 1970 aux États- Unis. Prenant le design graphique pour fil conducteur, chacun de ses trois chapitres est construit autour d’une grande figure (George Maciunas, Ed Ruscha et Sheila Levrant de Bretteville) et offre une relecture inédite de Fluxus, du Pop Art et des pratiques artistiques féministes. Le livre explore le travail, les pratiques, les thèmes, les réseaux, les expérimentations ou les engagements de ces trois auteurs aux parcours très différents, il ne propose pas tant un récit linéaire déroulant les étapes ordonnées d’une « histoire de l’art américain » qu’une série de vues en coupe saisissant le travail des créateurs dans l’écosystème des pratiques visuelles qui les nourrissent et qu’ils reconfigurent. Maciunas, Ruscha et Levrant de Bretteville sont ainsi les noms de trois archipels à partir desquels émerge une constellation de lieux de formation, une circulation de gestes techniques, une cartographie des engagements artistiques et politiques. Depuis les efforts de Maciunas, satellite de Fluxus, pour fédérer une néo-avant-garde, jusqu’aux engagements féministes de Levrant de Bretteville dans le Los Angeles des années 1970, le design graphique est appréhendé comme une vaste zone d’expérimentation, puissant ses possibilités dans tout le spectre des pratiques graphiques – dessin, peinture, typographie, photographie, gravure, édition de livres, production d’affiches, presse. (https://intru.hypotheses.org/10027)

2015 : Art & Design graphique. Essai d’histoire visuelle. 1950-1970, Paris, Pyramyd, coll. « : T », tome I : Fragments d’Europe, 2015, 324 p.

L’ouvrage se compose d’une introduction, qui peut aussi se lire comme un essai autonome, et de deux parties très distinctes. Intitulées respectivement « D’un affichisme, l’autre. L’image entre déchirure et liquidité » et « France, Pologne, Panique », elles permettent d’éprouver les interactions entre l’art et le design graphique au travers d’études précises de cas européens. La première partie propose tout d’abord de reconsidérer la pratique artistique du décollage, en dehors des grilles de lecture lettriste et nouveau-réaliste, principalement à travers une analyse inédite du travail de Raymond Hains et de Mimmo Rotella. Ainsi, le lecteur circule à l’intérieur même des œuvres, entre les différentes couches d’affiches, mais également entre la France (Paris) et l’Italie (Rome, Venise, puis Milan). Le dernier temps excède la question de l’affiche pour se pencher sur l’existence d’une liquidité optique et typographique, il permet de mettre en avant le travail de Franco Grignani et les liens que ce dernier entretient avec l’art optique. La deuxième partie s’avère une autre façon d’envisager les cultures de l’affiche et du graphisme. L’étude du contexte polonais et du développement d’un affichisme d’auteur, notamment autour de la figure d’Henryk Tomaszewski, conduit à s’intéresser attentivement au parcours du graphiste Roman Cieslewicz qui s’installe en France en 1963. Le cas Cieslewicz permet à la fois de porter un regard de biais sur la vie culturelle hexagonale et de mieux cerner les contours de l’anti-mouvement Panique auquel il prend part. De nombreuses références artistiques et littéraires permettent de mieux appréhender les transferts culturels entre la France et la Pologne.

Ouvrage relevant de la microédition

2014 : Dix notes pour Deux visions (ouvrage édité à l’occasion de l’exposition STEREO VIEW de Caroline Delieutraz, 15 mai-21 juin 2014, Galerie 22,48 m2, Paris), Paris, 22,48 m2, 2014, 28 p.

Cet ouvrage de petite taille accompagne la deuxième exposition individuelle de l’artiste française Caroline Delieutraz, dont j’ai assuré le commissariat et que j’ai intitulée Stereo View (en référence amusée aux cartes stéréoscopiques du XIXe siècle). Le texte s’intéresse uniquement à la série de photographies, débutée fin 2012, que l’artiste appelle Deux visions – une photographie de la France de Raymond Depardon est systématiquement mise en parallèle avec son équivalent trouvé sur Google Street View. L’opuscule esquisse quelques pistes de réflexion sur les régimes de visualité, la re-photographie et l’art « post-internet ».

Codirection d’ouvrage

202? (à paraître) : Ed Ruscha: A Reader, co-direction avec J-P. Criqui et L. Dryansky, Zurich, JRP/Ringier (à paraître), 224 p.

Chapitres d’ouvrages et contributions à des catalogues d’exposition

2023 : « Akimbo : vers un graphisme queer ? », in Over the Rainbow. Autres histoires de la sexualité dans les collections du Centre Pompidou (MNAM, Galerie 4, 28 juin-13 novembre 2023), cat. expo. sous la dir. de Nicolas Liucci-Goutnikov, Paris, Centre Pompidou, 2023, p. 144-152.

2022: « La grenouille et le camélia rouge  / カエルと赤い椿[kaeru to akai tsubaki] », fr. / jap., in 72 saisons à la Villa Kujoyama /ヴィラ九条山七十二候, Paris, Gallimard / Villa Kujoyama, Institut français du Japon, 2022, p. 448-449.

André Leroi-Gourhan rapportait avoir habité, en 1937, un lieu à Kyôto qui était pour lui une « espèce de paradis ». Il s’agit très précisément de l’endroit où s’élève aujourd’hui la Villa Kujoyama. Même s’il ne reste rien de l’ancien bâtiment de l’Institut français dont il parle, on reconnaît encore certains éléments de sa description des alentours. Ce court texte revient sur mon séjour en résidence en 2018, incubateur d’un travail d’écriture pensé sur le temps long, et contribue également à l’appréhension d’une psychologie du lieu.

2019 : « Arrêt sur image. Éléments moins performants », in Histoire d’A. Affiches d’Alain Le Quernec, Châteaulin, Locus Solus, 2019, p. 130-131.

Ce court texte revient sur une affiche réalisée par Alain Le Quernec en 1991 pour une représentation de la pièce de théâtre Éléments moins performants écrite par Peter Turrini en 1988. Quelle forme visuelle donne ici Le Quernec au « travail », au temps des restructurations, des plans de licenciements collectifs et en écho à l’extrême violence du texte de Turrini ?

2018 : « Elle », in Roman Cieslewicz. La Fabrique des images (Musée des arts décoratifs, Paris, 3 mai -23 septembre 2018), Paris, MAD/Imec, 2018, p. 62-69.

« Brusquement, Elle devenait presque un magazine d’avant-garde. » Comme à son habitude, Roland Topor, qui disait avoir rencontré pour la première fois le travail de Roman Cieslewicz dans l’hebdomadaire Elle, force le trait. Cette déclaration permet néanmoins de poser les questions suivantes : quels espaces d’expérimentation un périodique grand public de cette nature peut-il fournir à un graphiste ? Que retenir du travail de Cieslewicz pour le magazine entre 1964 et 1969 ?

2016 : « Apprendre / désapprendre : autour de Tomaszewski », in Cécile Tardy et Valérie Tesniere (dir), Internationales Graphiques. Collections d’affiches politiques 1970-1990 (Musée d’histoire contemporaine – Bibliothèque de documentation internationale contemporaine, Hôtel des Invalides, Paris, 17 février-29 mai 2016), Paris, BDIC/Fage, 2016, p. 20-25

Quel enseignant était Henrik Tomaszewski ? Le célèbre graphiste polonais intègre l’équipe de l’Académie des Beaux-Arts de Varsovie en 1952. Tomaszewski acquiert vite une réputation de « maître », alors même que son enseignement se fonde paradoxalement sur un désapprentissage, une condensation de la forme vers son point d’immaturité. Le texte tente de cerner la maïeutique à l’œuvre. Il s’intéresse particulièrement aux parcours des étudiants français qui ont « traversé le rideau de fer » pour venir se former à Varsovie et développer ensuite leurs activités graphiques en France, dans les années 1970 et 1980. Ces échanges franco-polonais participent d’une historiographie qui se confond parfois avec une mythographie.

Articles

2020 : « Dots & words. Sheila Levrant de Bretteville et le Women’s Design Program » (fr./ang.), in Azimuts, n° 51, année 2020, p. 183-193, p. 199-218, p. 327-333.

L’article part d’une analyse de Broadsheet 1, l’une des rares traces du Women’s Design Program (WDP), qui s’est tenu à CalArts durant l’année scolaire 1971-1972, à l’initiative de Sheila de Bretteville. Réunissant quinze participantes, il s’agit d’une des premières expériences d’enseignement artistique non mixte. Que recouvre le module intitulé « Group Process » ? L’attention portée au contexte et aux formes graphiques associées à ce programme et à ses suites permet de mieux comprendre les rapports entre féminisme et pédagogie critique. L’article met en avant plusieurs sources : le renouveau de l’activisme féministe et la pratique du consciousness raising, mais aussi les apports du pédagogue brésilien Paulo Freire, qui popularise des notions comme « praxis de la liberté » et « conscientisation ». Cette étude permet ainsi de rappeler que le WDP n’est ni un atelier de déconstruction du genre, ni un embryon de pédagogie queer, ni une préfiguration du féminisme intersectionnel. C’est un tout autre féminisme qui se joue ici ; il n’en constitue pas moins un jalon essentiel pour comprendre l’essor des pédagogies critiques.

2013 : « L’extension avant la chute. Witkacy et le peyotl autour de 1930 », in 20/21 siècles. Cahiers du Centre Pierre Francastel, n° spécial : Fabrice Flahutez et Miguel Egana (dir.), Arts drogués. Expériences psychotropiques et création artistique, Nanterre, Presses de Paris Ouest, 2013, p. 129-148.

Il s’agit d’une enquête détaillée sur un point précis de la production de Stanislaw Ignacy Witkiewicz, dit Witkacy, pour qui « les narcotiques créent des styles en art et [en] architecture ». De quelles façons l’usage du peyotl, entre 1928 et 1932, s’articule-t-il à la Firme de portraits et à son fantasque système d’abréviations ? Au vu de la thématique du numéro et afin de contribuer à une histoire de l’art plus européenne, j’ai proposé ce texte dans l’idée de fournir des éléments inédits aux chercheurs qui s’intéresseraient à une géographie et à une périodisation de l’usage des différentes drogues au sein des cercles intellectuels et artistiques. Retracer les réseaux de distribution du peyotl, entre la France et la Pologne, et éclairer les circonstances de la production des œuvres restent les moteurs de l’approche. L’étude débouche également sur certains enjeux de culture visuelle. Cercles métapsychiques parisien et varsovien, médiumnité, satanisme et autres « orgies » à Zakopane dessinent une époque qui se pense et se vit comme décadente, à tout le moins dans l’imaginaire de Witkacy. L’article propose aussi une étude de la prose witkacéenne liée aux narcotiques. Adorno, Desoille, Flaubert, Gombrowicz, Michaux : aucun antidote ne paraît assez puissant pour contrer le catastrophisme historiosophique de Witkacy, qui invite la comparaison avec celui d’Oswald Spengler. Pourquoi l’exégèse s’évertue-t-elle à sauver Witkacy ? À peine une réponse semble-t-elle s’offrir que la question se déplace. Peut-on sauver une pensée qui a la structure du suicide ?

2012 : « Martin Beck » (fr./ang.), in Critique d’art. Actualité internationale de la littérature critique sur l’art contemporain, n°40, automne 2012, p. 110-113.

Court portrait de l’artiste Martin Beck, accompagnant la recension de son ouvrage The Aspen Complex. La pratique de Beck se réclame d’une forme d’art contextuel et se situe à la croisée de plusieurs champs, brouillant les frontières entre l’installation, le curating et la critique. 

2012 : « Vignelli à rebours », in Tombolo, revue en ligne, strate meta [http://www.t-o-m-b-o-l-o.eu/meta/vignelli-a-rebours/].

Il s’agit d’un texte vif qui, dans le ton, me semblait très bien convenir à la revue en ligne Tombolo. L’idée était d’entremêler histoire, théorie et critique. À partir d’une déconstruction de The Vignelli Canon (2009) de Massimo Vignelli, l’article « rebrousse chemin » pour s’en retourner aux années 1960 en Italie, afin de s’intéresser à l’usage de l’Helvetica sur les locandine du Piccolo Teatro di Milano et aux Biennales de Venise de 1964 et de 1966. C’est alors que deux décollages de l’artiste Raymond Hains, disposés ici à côté des affiches originelles des Biennales (Vignelli et Noorda), disloquent le temps et jouent sur ce que Derrida appelle l’« itérabilité », le surgissement de l’autre dans la réitération.

2010 : « Ed Ruscha : lithographie, sérigraphie, caviar & chocolat », in Nouvelles de l’estampe, n° 227-228, décembre 2009-février 2010, p. 8-26.

L’article propose de s’intéresser particulièrement à la période comprise entre 1960 et 1971, correspondant à une première phase du travail d’Ed Ruscha qui se solde par une crise picturale. Quelle place et quelles formes particulières prend graduellement l’estampe durant ces premières années ? De quelle façon Ruscha va-t-il investir ces nouvelles techniques ? Répondre à ces questions ramène nécessairement à l’étude du contexte californien afin de mieux comprendre les raisons de l’engouement des artistes pour la lithographie dans le Los Angeles des années 1960, ville dans laquelle va s’installer en 1959 un atelier désormais historiquement célèbre : Tamarind. L’enquête se poursuit en Europe, aux confins de l’estampe et de la couleur, où Ruscha produit pour la première fois plusieurs « sérigraphies organiques ». Les quelques exemples abordés, du portfolio des éditions Alecto à la Chocolate Room de Venise, s’inscrivent au sein d’une lecture duchampienne inédite.

2010 : « Typographie liquide/Liquid Typography » (fr./ang.)in Livraison. Revue d’art contemporain/Contemporary Art Journal, n° 13 – Langage et typographie, hiver 2009/2010, p. 42-51.

Alors même que Jan Tschichold considère que « les bons caractères d’imprimerie sont solides », l’article part du constat effectué par Herbert Spencer en 1967 : « la pratique et les techniques de la typographie ont considérablement changé, en cela que les évolutions techniques ont libéré la typographie des restrictions et de la discipline qu’imposaient les caractères en plomb, et lui ont permis de devenir de plus en plus visuelle et de moins en moins linéaire et linguistique. La frontière entre le graphisme, la photographie et la typographie s’est dissoute ; le mariage du mot et de l’image est consommé. » Je propose ainsi le terme de typographie liquide comme un possible paradigme à explorer, dans ces zones incertaines, entre texte et image, où les tentatives de sémiologie de la typographie n’arrivent jamais totalement à faire système.

2008 : « Art, graphisme et féminisme à Los Angeles autour de Sheila Levrant de Bretteville », in Histoire de l’Art, n° 63, octobre 2008, p. 123-132.

En 1973, l’ouverture du Woman’s Building de Los Angeles apparaît comme l’un des premiers exemples de structure culturelle féministe d’envergure. Aboutissement du militantisme contestataire et des expériences d’enseignement féministes à l’œuvre en Californie depuis la fin des années 1960, il est fondé par l’artiste Judy Chicago, l’historienne de l’art Arlene Raven et la graphiste Sheila Levrant de Bretteville. L’article s’intéresse plus particulièrement au graphisme, composante essentielle à l’écriture d’une histoire de l’art élargie. Il s’agit d’un « article de jeunesse ». Je renverrai plutôt le lecteur ou la lectrice à mon deuxième livre (2019), où le même sujet est exploré de manière très différente, plus juste et plus ramifié.

Actes de colloques, communications publiées, transcriptions

202? (à paraître) : « The liquidation of Eddie Russia » in Ed Ruscha: A Reader, Zurich, JRP/Ringier, à paraître, 202? / Texte complété, édité et traduit, issu de la communication « La liquidation d’Eddie Russia », colloque international Ed Ruscha: History (Centre Pompidou, Paris, 11-12 mars 2015 ; CCC OD, Tours, 13 mars 2015), captation vidéo disponible en ligne [https://www.centrepompidou.fr/fr/ressources/media/TaqgL3k].

Entre 1965 et 1969, Ed Ruscha assure la mise en page du magazine Artforum sous le pseudonyme d’Eddie Russia. Ce détail n’est qu’un des nombreux signes de la relation complexe, faite de déplacements et d’évitements, que l’artiste entretient avec le design graphique. On s’intéressera aussi bien aux livres d’artiste qu’à des supports moins considérés (publication étudiante, contributions à des revues, pochette de disque, catalogues, affiches), afin d’appréhender cette entreprise de suspension du sens dont l’intelligence graphique n’a d’ailleurs pas échappé à certains de ses contemporains.

2020 : « La sculpture à l’épreuve des dispositifs de l’Expo ’70 » in 雕塑研究學術半年刊/ The Sculpting Research Semiyearly, p. 206-211 / Transcription partielle en chinois mandarin d’une communication dans le cadre du colloque international Sculpting Temporality…, Juming Museum, Taipei, Taïwan, 6 mai 2018.

Transcription partielle en chinois mandarin d’une communication dans le cadre du colloque international Sculpting Temporality…, Juming Museum, Taipei, Taïwan, 6 mai 2018.

À relire la définition désormais canonique du dispositif donnée par Michel Foucault, force est de constater qu’elle s’accorde parfaitement à ce qu’est une Exposition universelle. La sculpture est une des formes obligées du « réseau Expo’70 », sorte de « super-dispositif » mis en place à Ôsaka entre mars et septembre 1970. De quelles façons la sculpture existe-t-elle au sein de l’Exposition universelle du Japon ? Après une tentative de typologie, nous insisterons sur quelques exemples, parmi lesquels la Tour du soleil d’Okamoto Tarô, qui perfore le toit du pavillon du thème, et L’avènement du Phénix de Yang Yuyu, qui se trouve devant le pavillon de la République de Chine (i.e. : Taïwan). 

2016 : « EMIGRE. 1984-2006. Plate-forme d’expérimentation et de diffusion. Retour sur une aventure éditoriale au cœur des mutations du design graphique », in Gilles Acézat, Dominique De Beir, Océane Delleaux, Catherine Schwartz (dir.), Edith, Rouen, ESADHaR, 2016, p. 146-153. / Texte issu d’une communication dans le cadre du colloque international Un atlas de la microédition : quelles routes pour quels enjeux ?  organisé par l’ESADHaR Ecole Supérieure d’Art et Design Le Havre/Rouen, Musée des Beaux-Arts de Rouen, 22-23 mars 2012. Texte également disponible dans la revue en ligne Tombolo [https://www.t-o-m-b-o-l-o.eu/meta/emigre-plate-forme-dexperimentation-et-de-diffusion-retour-sur-une-aventure-editoriale-au-coeur-des-mutations-du-design-graphique/].

Le texte revient sur Emigre Graphics, une plate-forme éditoriale aux multiples facettes fondée par Zuzana Licko et Rudy VanderLans en 1984. Quelles alternatives propose Emigre dans les années 1980 et 1990 ? Comment Emigre est-il passé d’un magazine tiré à cinq-cents exemplaires (1984), cantonné aux seules villes de San Francisco et de Los Angeles, à une revue coéditée avec Princeton Architectural Press (2003-2005) ? En quoi Emigre fut-il l’étendard d’une nouvelle génération de graphistes ? Comment les productions Emigre (magazines, fontes typographiques, musique) étaient-elles diffusées ? La localisation en Californie a-t-elle joué un rôle déterminant ?

2015 : « Picasso prend l’avion », publication en ligne, Paris, Musée national Picasso – Paris, 2015, texte édité exportable au format pdf [http://revoirpicasso.fr/wp-content/uploads/2016/03/RevoirPicasso-2015_J2_B.Buquet-1.pdf] / Texte issu d’une communication dans le cadre du colloque international Revoir Picasso, Paris, 25-28 mars 2015, captation vidéo de la communication disponible http://revoirpicasso.fr/picasso-prend-lavion-•-b-buquet/

Le matin du 25 août 1948, pour la première fois, Picasso prend l’avion afin de se rendre au congrès mondial des intellectuels pour la Paix à Wroclaw. L’étude documentée de son séjour sur le territoire polonais pendant douze jours permet ensuite de revenir sur quelques spécificités de la réception de Picasso en Pologne entre 1948 et 1968.

2010 : « Anges et shôjo manga. Étude croisée de X et Angel Sanctuary », in Cahiers Robinson, n° 26 – Imaginaire des anges et des superhéros, Université d’Artois, p. 213-223. / Texte issu d’une communication dans le cadre de la journée d’étude Imaginaire des anges, archanges et super-héros dans la bande dessinée et la littérature jeunesse, organisée par l’équipe d’accueil Textes et cultures de l’université d’Artois et le Musée Scriptorial d’Avranches, Université d’Artois, 12 juin 2009.

La figure de l’ange apparaît comme l’un des topoï majeurs du shôjo manga. Cette étude permet de mettre à jour quelques caractéristiques iconographiques, formelles et fonctionnelles des héros angéliques et archangéliques qui peuplent ces univers japonais au syncrétisme fantasque et suffocant dans lesquels une multitude de personnages évolue, mue par des pouvoirs spécifiques. D’un point de vue plus sémiotique, nous proposons ici d’enrichir le principe de « solidarité iconique » de Thierry Groensteen (théorisé via l’arthrologie de Jean Ricardou) en y intégrant la notion d’« espace aréolaire » développée par Augustin Berque, plus à même de saisir les feuilletages et les emboitements au sein desquels se loge le résidu angélique de la bande dessinée japonaise.

2010 : « Roman Cieslewicz et le visage : de l’effervescence pop à sa disparition »in Fabrice Flahutez, Itzhak Goldberg et Panayota Volti (dir.), Visage et portrait, visage ou portrait, Nanterre, Presses Universitaires de Paris Ouest, 2010, p. 35-47. / Texte issu d’une communication dans le cadre de la journée d’étude Visage et portrait, Université Paris Nanterre, 16 mai 2007. 

En 1963, le polonais Roman Cieslewicz décide de s’établir en France. Les visages, qui tiennent déjà une place centrale dans les compositions de ses affiches en Pologne, se transforment et se démultiplient durant les années 1960. De la succession des visages féminins stéréotypiques à la création de plusieurs portraits du Che et de Mona Lisa, dont nous livrons une analyse attentive, Cieslewicz ne cesse d’interroger les icônes médiatiques de son temps grâce au collage et au photomontage. L’année 1971 voit cependant les visages s’effacer temporairement, comme aspirés dans un gouffre identitaire. Dans cette métamorphose de la figure émerge de nouvelles perspectives qui marquent la fin des « années pop ».

Article tout public

2009 : « Alberto et Diego Giacometti. Une relation étroite », in Giacometti à la Fondation Beyeler, Paris, Beaux-Arts éditions, 2009, p. 12-15.

Ce court article, intégré à une publication d’une cinquantaine de page accompagnant l’exposition Giacometti (Fondation Beyeler, Bâle, 31 mai-11 octobre 2009), revient sur la fratrie Giacometti. Diego, témoin privilégié du processus créatif d’Alberto, devient très tôt l’assistant et le modèle de son frère. Un regard sur quelques bustes de Diego sculptés par Alberto et sur le travail de meublier de Diego laisse entrevoir les résonnances.

Notes de lectures 

Michael Lucken, Japon. L’archipel du sens, Paris, Perrin, 2016 (Critique d’art. Actualité internationale de la littérature critique sur l’art contemporain, n°48, printemps 2017 et en ligne).

Nanni Baltzer et Martino Stierli (éd.), Before Publication: Montage in Art, Architecture, and Book Design, The University of Chicago Press, Zurich, Park Books, 2016 (Critique d’art…, n°48, printemps 2017 et en ligne).

Hans Rudolf Bosshard, Max Bill / Jan Tschichold : La querelle typographique des modernes, Paris, B42, 2014 (Critique d’art…., no 43, 2014 et en ligne).

Martin Beck (éd.), The Aspen Complex, Berlin, Sternberg Press, 2012 (Critique d’art…en ligne).

Catherine de Smet, Pour une critique du design graphique. Dix-huit essais, Paris, B42, 2012 (Critique d’art…, en ligne).

Steven Heller et Gail Anderson, Nouvelle typographie moderniste, Paris, Thames & Hudson, 2012 (Étapes, n° 211).

Catherine de Smet et Sara De Bondt (éd.) Graphic Design: History in the Writings (1983-2011), Londres, Occasional Papers, 2012 (Étapes, n° 210).

Richard Hollis, Writings About Graphic Design, Londres, Occasional Papers, 2012 (Étapes, n° 208).

Animation et diffusion de la recherche

Co-organisation de colloque

13 et 14 mars 2025 : co-organisation scientifique, avec Sandra Delacourt (ESAD TALM Tours) Frédéric Herbin (ENSA Bourges), Andreas Maria Fohr (ENSA Bourges) Fred Morin (ESAD TALM-Tours), du colloque Queering the Archive – Queering the Exhibition.

11, 12 et 13 mars 2015 : co-organisation scientifique, avec Jean-Pierre Criqui (Centre Pompidou) et Larisa Dryansky(Paris IV), du colloque Ed Ruscha: History. Direction éditoriale du programme imprimé et exécution budgétaire.

Co-organisation de séminaires

Depuis 2012 : co-organisation, avec les autres membres du laboratoire, du séminaire interdisciplinaire InTRu (Interactions, transferts, ruptures artistiques et culturels), Tours.

 https://intru.hypotheses.org/seminaire-de-methode / Communications personnelles en 2012, 2014 et 2020.

2016 et 2017 : co-organisation, avec Sophie Cras (Paris 1, Hicsa) et Emmanuel Guy (Parsons Paris The New School), du séminaire « Les Années 1980 », Paris.

https://intru.hypotheses.org/category/seminaires-de-lintru/atelier-de-recherche-les-annees-1980

https://lesannees1980.wordpress.com

Depuis une dizaine d’années, on assiste à un intérêt croissant des historiens de l’art et de la culture pour les années 1980. Il s’agit notamment de retrouver, au-delà des préjugés de superficialité, de désengagement et de triomphe du marché, l’épaisseur politique et idéologique des productions de cette décennie. Les années 1980 furent également le terreau dans lequel naquirent ou se développèrent nombre d’approches critiques nouvelles dont l’histoire des arts est aujourd’hui redevable. Les hiérarchies entre les formes visuelles et plastiques, les catégories sexuelles et sociales, les frontières géographiques de la création en furent durablement bouleversées, tout comme le rapport au temps, à la mémoire et à l’anachronisme. Ce séminaire mensuel, sous forme d’atelier, se proposait de réunir des chercheurs issus de toutes disciplines intéressées par une relecture historique des arts et de la culture des années 1980. L’accent fut mis sur l’historicisation (sources archivistiques, statut du témoignage et des discours critiques), sur l’exploration des frontières (des géographies et des médias) et l’hybridation des catégories (art/design ; art/technologie ; art/image). 

Communications et conférences non publiées (sélection)

2025 (à venir) : « Les coulisses de l’exposition “Tarô Okamoto. Un Japon réinventé” », salon de lecture Jacques Kerchache, musée du quai Branly – Jacques Chirac, 17 juin 2025.

2025 (à venir) : « Dénouer l’œuvre d’Okamoto Tarô », conférence à l’invitation de la Maison de la culture du Japon (MCJP), en partenariat avec l’Institut Français, MCJP, Paris, 21 mai 2025.

2023 : « Dans quelles eaux baignent les Nymphéas de Claude Monet ? » – Rhizome thaïlandais, conférence de 1h30 avec traduction consécutive partielle en thaïlandais, à l’invitation du département d’étude francophone de Chiang Maï University, Thaïlande, 25 décembre 2023.

2023 : « Dans quelles eaux baignent les Nymphéas de Claude Monet ? » – Rhizome taiwanais, conférence de 3h avec traduction consécutive exhaustive en chinoisà l’invitation de la Taipei National University for the Arts, Taïwan, 18 décembre 2023.

2022 : « Graphics », conférence à l’invitation de la Collection Lambert en Avignon, 7 avril 2022.

2021 : « 2 ou 3 choses que je sais de l’Expo’70 », communication dans le cadre de la table ronde « De l’artisanat traditionnel au design contemporain [au Japon] », Festival de l’histoire de l’art, Fontainebleau, 5 juin 2021.

2020 : « Puis, vinrent les jours d’hiver », séminaire Cultures visuelles III organisée par l’InTRu, 11 février 2020, université de Tours.

2020 : « A Flag Protest/Poster. Sur une affiche de George Maciunas », journée d’étude L’Affiche engagée aux États-Unis (années 1960-1970) : des imaginaires visuels pour repenser l’art et la société, INHA, Paris, 21 janvier 2020.

2018 : « De la difficile existence des choses [もの – mono] à la biennale de Paris, 1967-1971 », séminaire 1959-1985, au prisme de la Biennale de Paris, séance n° 10 : La présence japonaise à la Biennale de Paris dans les années 1960 et 1970, ou comment « s’exprimer par des formes neuves, dans un monde nouveau » ?, INHA, Paris, 16 octobre 2018.

2018 : « L’effet Google Street View », conférence à l’invitation du Jeu de Paume, Paris, 21 janvier 2018.

2018 : « Les contours de l’exposition. Propos à partir d’Exomind de Pierre Huyghe », conférence à l’invitation de la National Taiwan University of Arts, Taipei, Taïwan, 3 mai 2018.

2017 : « Lee Ufan, Mono-ha et le Japon », conférence à l’invitation du CCCOD, Tours, 28 septembre 2017.

2017 : « Annie. Une peinture américaine à l’épreuve du design graphique et de la culture visuelle », Festival de l’histoire de l’art, Fontainebleau, 2 juin 2017.

2017 : « À propos de l’affiche », journée d’étude Posters / Affiches. Des arts plastiques au design graphique et vice versa organisée par le Frac Normandie Rouen et l’ESADHaR dans le cadre de l’exposition POSTERSau Frac, Hôtel de région, Rouen, 16 mai 2017.

2016 : « Soleil noir. Notes sur l’art contemporain japonais (et occidental) à l’expo’70 d’Ôsaka », conférence à l’invitation de JAP Bruxelles, BOZAR/Palais des Beaux-Arts, Bruxelles, 6 décembre 2016.

2016 : « Le Women’s Graphic Center et les cultures féministes de l’imprimé à Los Angeles dans les années 1970 et 1980 », journée d’étude Placards, affiches, tracts, prospectus. L’imprimé au service de l’art et de la polis, organisée par le laboratoire Histoire et critique des arts, EA1279, université Rennes 2, Campus Villejean, 1er avril 2016.

2016 : « Ed Ruscha. OOO », conférence à l’invitation de JAP Bruxelles, BOZAR/Palais des Beaux-Arts, Bruxelles, 19 janvier 2016.

2014 : « Ed Ruscha Redux. Dissémination et relâchement, le livre, pour (en) finir », séminaire de méthode organisé par l’InTRu, université François-Rabelais, Tours, 9 décembre 2014.

2014 : « Design graphique et histoire visuelle », journée d’étude organisée par le CNAP (Centre National des Arts Plastiques) accompagnant le colloque international Design graphique, les formes de l’histoire (27-28 novembre 2014), 18 septembre 2014. Captation vidéo : http://www.cnap.graphismeenfrance.fr/article/benoit-buquet

2013 : « Détricoter la woolmark. Faire et défaire l’histoire, la théorie, la critique du design graphique », ENSAD – École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, Paris, 28 février 2013.

2012 : « Le design graphique comme objet périphérique. Études de cas et questions posées à l’histoire de l’art », séminaire de méthode organisé par l’InTRu, université François Rabelais, Tours, 13 novembre 2012.

2012 : « L’art des années 1955-1975 au prisme du design graphique. Propos hantologiques », séminaire 1955-75 : sources et méthodes, École normale supérieure, Paris, 20 avril 2012.

2012: « Les eaux troubles du vernaculaire. Design graphique, unlettered letters et image locale », conférence à l’École européenne supérieure d’art de Bretagne, Site de Rennes, 12 février 2012.

2012 : « Le design graphique : une discipline à ses frontières », conférence à l’École d’arts et média de Caen/Cherbourg, Site de Caen, 4 janvier 2012.

2011 : « Artistes désafficheurs, décollagisme et figure de l’autre. Notes sur le travail de Dufrêne, Hains, Rotella, Vostell et Villeglé », conférence dans le cadre du séminaire Les processus créatifs, HiCSA, Université Paris I Panthéon – Sorbonne, 27 octobre 2011.

2010 : « Roman Cieslewicz et le portrait infigurable »colloque du réseau international pour la formation à la recherche en histoire de l’art, 8e École internationale de printemps, Le portrait, Florence, 31 mai-5 juin 2010.

2009 : « Design et art graphiques en Californie depuis 1959. Fluctuation de l’atelier comme espace de transmission »journée d’études Art et Transmission. Les secrets d’ateliers au XXe et XXIe siècles, organisée par le centre de recherche Art des Images et Art Contemporain de l’Université Paris 8, INHA, Paris, 15 juin 2009.

2009 : « De Raymond Hains et quelques autres à travers la matière de Venise », journée d’étude L’image, le lieu, la série organisée conjointement par l’Institut Mémoires de l’Edition Contemporaine (IMEC), les universités Charles-de-Gaulle Lille 3 et Paris Nanterre, Saint-Germain-la-Blanche-Herbe, 8 et 9 juin 2009.

2009 : « L’affiche lacérée comme trace de la civilisation ? (1949-1964) », colloque du réseau international pour la formation à la recherche en histoire de l’art, 7e École internationale de printemps, L’Art et la notion de civilisation, Montréal, 11-15 mai 2009.

Autres types d’interventions

2016 : cycle de trois conférences tout public, « L’affiche en France de Toulouse-Lautrec à nos jours », à l’invitation des Amis du Musée de Grenoble, 2016.

2015 : participation à un documentaire diffusé sur France Culture, « Roman Cieslewicz, l’œil collé au monde », émission Sur les Docks, collection « Témoignage », 31 août 2015, disponible en ligne.

Commissariats d’exposition

2025 : Tarô Okamoto. Un Japon réinventé, Musée du quai Branly – Jacques Chirac, Paris, 15 avril-8 septembre 2025.

2024 : Présage – Cécile Beau / Ève champion / Charlotte Charbonnel / Louise le Pape / Olivier Sévère, co-commissariat et formation pédagogique, grand finale de la Galerie Expérimentale, CCCOD, Tours, 17-26 mai 2024.

2022 : commissariat collectif laboratoire InTRu (université de Tours) et Bibliothèque municipale de Tours : On a lu des albums coréens – Bibliothèque centrale, Tours, 7 novembre-30 décembre 2023.

2018 : Unboxing the Future – dispositif vidéo + œuvres de : Kyun-Chome / Okamoto Tarô – Villa Kujoyama, Kyôto, 17 mars 2018.

2014 : STEREO VIEW. Caroline Delieutraz, Galerie 22,48 m2, Paris, 15 mai-21 juin 2014.

2013-2016 : direction curatoriale de la Galerie expérimentale en partenariat avec le Centre de Création Contemporaine de Tours :

5 MINUTES AFTER THE SHOW * – Renaud Auguste-Dormeuil / Davide Balula / Dominique Blais / StefanBrüggemann / Latifa Echakhch / John Giorno / Isabelle Giovacchini / Christodoulos Panayiotou / Pierre Malphettes / Torbjørn Rødland / Peter Saville – CCC – Centre de création contemporaine, Tours, 30 mai – 9 juin 2013.

BLACK BOX. Une exposition d’objets – Xavier Antin / Sandra Aubry & Sébastien Bourg / Étienne Bossut / Robert Breer / Bernard Calet / Jean-Baptiste Caron / Nils Guadagnin / Yvgne Holen – CCC – Centre de création contemporaine, Tours, 21 mai – 15 juin 2014.

Ce qui reste sans rester – Bruce Nauman / Ed Ruscha / Jonathan Monk – CCC OD – Centre de création contemporaine Olivier Debré, Tours, 28 mai – 7 juin 2015.

BIG DATA – Jon Rafman / Pablo Reol / Sean Raspet / Artie Vierkant / Sean Snyder –CCC OD – Centre de création contemporaine Olivier Debré, Tours, 26 mai – 12 juin 2016.